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Desde tiempos ancestrales, el peru es tierra de eximios ceramistas. Los maestros de la actualidad son herederos directos de aquellos anonimos artesanos precolombinos que lograron gran destreza en la elaboracion de ceramios. En todo el pais, es posible encontrar una gran variedad de expresiones artisticas y tecnicas de ceramica y alfareria; tecnicas que, en muchos casos, se han mantenidoinvariables durante siglos.

Ficha:
• Origen: la pieza de cerámica mas antigua hallada en el Perú data del 

  año 1800 a. C.
• Difusión: esta presenta en Prácticamente todo el país. Destacan los

   trabajos de Chulucanas, Simbila (Piura), Santiago de Pupuja, Pucara

  (Puno), Quinua (Ayacucho), la etnia Shipibo-Conibo (selva Amazónica)

  entre otros.
• La cerámica de Chulucanas tiene denominación de origen,
concedida por el INDECOPI.

UN ARTE MILENARIO
La muestra de cerámica mas antigua del Perú se encontró en el complejo arqueológico de Guanape, en el valle del Viru (La Libertad). Data del ano 1800 a. C. (periodo formativo inferior). Es una pieza de acabado llano y tosco que se exhibe en la sala 2 ("Los orígenes de la civilización andina") del Museo de la Nación. Entre las culturas prehispánicas, Vicus, Mochica, Recuay y Nasca alcanzaron altos niveles de maestría, tanto en la elaboración de los cerámica, como en la decoración de los mismos. Vicus, que se desarrollo en el alto Piura alrededor del 500 a.C., tuvo una cerámica de fino acabado. Representaron figuras humanas, de animales y de plantas, asi como escenas eróticas. Sus técnicas fueron recogidas y perfeccionadas por la cultura Mochica. La cerámica Nasca, en cambio, destaca por su policromía.

CHULUCANAS
Los habitantes de este pueblo, ubicado en la provincia de Morropon (Piura), se consideran herederos de la cultura Vicus. A juzgar por la calidad de su cerámica, puede que estén en lo cierto. Su proceso de fabricación es absolutamente tradicional. Primero, los alfareros remojan la arcilla durante tres días en un hoyo grande hecho en el suelo. Así, se consigue un material uniforme que se mezcla con arena y se amasa con los pies. Las piezas se modelan utilizando una paleta de madera y una piedra redondeada y se exponen al sol durante varias horas, desde muy temprano en la mañana hasta pasado el medio día. Luego, se llevan al homo, que esta cavado en el suelo. Solo las piezas de cerámica fina usan otro homo de dos cámaras. Entre las piezas mas conocidas de la cerámica de Chulucanas destacan los silbadores, los tazones grandes conocidos como "potos" y los pequeños llamados "cojuditos". Los personajes de la región también son fuente de inspiración. Así, se ven jarrones en forma de lavanderas, madres lactantes, chicheras, cantores y también algunos animales como "piajenos" y palomas. También hay vasijas grandes y pequeñas que cumplen fines ornamentales. En la actualidad, a las vasijas se les reviste de vidrio en el interior y se masifica su producción con fines utilitarios y de exportación.

SIMBILA
Este caserío, ubicado en el distrito de Catacaos, Piura, también tiene a la alfarería como actividad principal. Como sucede en otras localidades, se trata de un trabajo familiar cuyas técnicas pasan de generación en generación, por lo que los artesanos las cuidan como su más preciado secreto. La producción de cerámicas de Simbila es de tres tipos: se fabrican cantaros y tinajas para las chicheras; ollas, cazuelas y demás trastos de uso domestico y piezas decorativas. Las piezas se comercializan en Piura, Tumbes y La Libertad. Algunas son traídas hasta Lima.

CUSCO
Existen en la región Cusco numerosos centros alfareros que cultivan algunas de las técnicas incaicas para elaborar cerámicas. En esta region, la técnica mas extendida es la elaboración de formas a preside. Con esta, se realizan platos de diversos tamaños. La pasta de arcilla se espolvorea con arena volcánica o ceniza para que no se pegue al molde, que es una vasija de la misma forma, sobre una base de piedra plana. La cerámica es una actividad económica muy importante para los cusquenos, especialmente para las poblaciones aledañas a Pisaq, que las compran a los centres alfareros para decorarlas y venderlas en la feria semanal, la cual recibe un flujo importante de turistas.

QUINUA
El distrito de Quinua esta ubicado en la provincia de Huamanga, Ayacucho. Alli se encuentra una producción de cerámica de alta calidad. Se usa la arcilla conocida como llinco, de colores rojizo y crema. Los ceramistas de Quinua se especializan en objetos de uso ritual, pero también elaboran menaje domestico. Las piezas mas representativas de la cerámica de Quinua son las iglesias, que en el imaginario andino protegen las viviendas de los malos espíritus. También son comunes los toros de Quinua, que se colocan en los techos para proteger las casas de los rayos y también cuidar el ganado. A diferencia del torito de Pucara, el de Quinua es robusto y macizo y posee cuernos pequeños que parecen protuberancias sobre la cabeza. Los ceramistas de Quinua muelen la arcilla con un batan y la ciernen con un susuy (tamizador). Luego, la mezclan con agua y la pisan, usando una piel de cabra (chapuy), hasta que adquiere la textura ideal. Después, la trabajan en el torno manual. Cuando se ha conseguido la forma deseada, la superficie se alisa con la kallwa, un instrumento de madera en forma de media luna. El llampuy, un fierro en forma de S, se usa para retirar el material sobrante. Una cana tallada se usa para darle forma a los detalles de la figura. Al concluir la obra, la pieza se pule y se deja secando a la sombra durante uno o dos meses para que no se raje. Solo después de eso, se la pone en el horno.

LOS SHIPIBO-CONIBO (UCAYALI)
Agrupados en 116 comunidades, los shipibo-conibo pueblan la cuenca central del Ucayali, los ríos Pachitea, Calleria, Aguaytia, Tamaya y el lago Yarinacocha. Entre ellos, la cerámica es un oficio netamente femenino. Las mujeres dedican unas setenta horas semanales a elaborar sus piezas. La técnica, muy difícil de aprender, es transmitida de madres a hijas. Los diseños shipibos son emblemas étnicos que sirven para reafirmar su identidad. El diseño en curvas alude a los jóvenes solteros y a los ríos que recorren sus tierras. El de líneas finas representa la cantidad de personas que asisten al rito del ani sheati (gran libacion), una ceremonia ancestral poco frecuente en nuestros dias.
Las shipibas mezclan la arcilla fresca con cenizas y trozos de cerámica molida. Luego de preparar una base circular con arcilla, colocan las tiras en espiral, modelando el objeto. Después, alisan con una fruta selvática de cáscara dura (tutumo). No efectúan trazos antes de dibujar los diseños. Primero definen las líneas principales y más gruesas en negro o rojo sobre fondo blanco. Las líneas finas se raspan con aguja y luego se trazan laberínticos rellenos.
Una vez terminado el diseño, la pieza se seca bajo sombra y sol. Luego se acerca al fuego de la cocina y se hornea con troncos quemados que se colocan alrededor. Al final, se frota el contorno de la pieza con lacre (resina arbórea), un barniz sellador que le brinda una textura suave y brillante.
Las shipibas producen una serie de artículos utilitarios, como las vasijas conocidas como chomo, que sirven para transportar agua, y las mas grandes, llamadas maqueta, de 1,20 metros, que se usan para fermentar el masato, bebida típica de la selva. Además, producen otras piezas para ser vendidas a los visitantes de la zona.

LOS TORITOS DE PUCARA
Estas piezas, que mantuvieron su forma tradicional hasta la década de 1960, se elaboran en Santiago de Pupuja, provincia de Azangaro (Puno). Los originales eran de color rosado tenue, con la cabeza y los cuernos de color pardo o café. Se utilizaban en la ceremonia del señala cuy o marcación del ganado. En las últimas décadas, empezaron a hacerse toritos de color oscuro, o claros, pero con la lengua y los cuernos de color verde. Antiguamente, todos los toritos se elaboraban a mano, pero ahora, por la demanda creciente, muchos se hacen con moldes. Cada torito ingresa al horno dos veces. La primera vez, denominada "bautizo", sirve para cocer el barro. Luego se le añade los ornamentos, se pinta y vuelve al horno, para que estos se fijen a la arcilla.

Paginas web
• Museo Arqueológico Rafael Larco Hoyle

  http://www.museolarco.perucultural.org.pe
• Museo de Arqueología Josefina Ramos de Cox del Instituto Riva-Aguero

  de la Pontificia Universidad Católica del Perú

  http://www.pucp.edu.pe/ira/
• Museo del Banco Central de Reserva

  http://museobcr.perucultural.org.pe

EL RETABLO AYACUCHANO

EL RETABLO AYACUCHANO
una de las expresiones de arte peruano mas reconocidas, el retablo es un ejemplo del alto nivel de maestria que han alcanzado los artesanos de ayacucho. su origen es magico-religioso. con el tiempo, el retablo ha perdido parte de ese c aracter para empezar a reproducir escenas costumbristas, fiestas y tradiciones peruanas, pero sin perder nunca la excelencia estetica.

Ficha
• Es una expresión artística de la región Ayacucho y tiene sus orígenes

  en el siglo XVIII.
• En 1941, la pintora y coleccionista Alicia Bustamante lo bautizo como

  retablo.
• El termino deriva del latín retrobulus o retrotabulae ("lo que va detrás

  de la mesa").

DEL SANMARKOS AL RETABLO
La tradición española de tener capillas portátiles y nacimientos, conocidos como "belenes" fue muy bien acogida en el mundo andino. Entre otras cosas, las cajas -que contenían figuras de santos y otras efigies sagradas- se usaban para cuidar las viviendas y a los viajeros que las llevaban consigo. El antecedente mas cercano al retablo actual es el sanmarkos o Caja San Marcos. Desarrollada entre los siglos XVIII y XIX, es un tribute a San Marcos, patrón del ganado. Emilio Mendizábal lo definió como una huaca, objeto sagrado en el que se reúnen e integran los protectores de los animales, tanto los andinos como los europeos. Hasta ahora, el sanmarkos se usa para presidir el ritual de la herranza, o fiesta de Santiago, y para convocar a los espíritus que viven en las montanas. Pero el retablo siguió evolucionando. En la década de 1940, imagineros ayacuchanos e intelectuales limeños de la corriente indigenista impulsaron el renacer de este arte. El artista Joaquín López Antay asumió el reto de confeccionar piezas nuevas. Gracias a su influjo, el retablo actual ya no reproduce solamente escenas religiosas.

ESTRUCTURA
Los retablos son cajas rectangulares, normalmente hechas de cedro. Aunque no hay medidas estándar, los retablos clásicos miden unos 32 centímetros de alto por 26 centímetros de ancho. El fondo donde se colocan las figuras es de unos seis centímetros. La parte posterior se tapa generalmente con madera delgada y las puertas se unen a la caja con tiras de cuero. A diferencia del sanmarkos, los temas del retablo están asociados a motives costumbristas y religiosos como procesiones, corridas de toros y peleas de gallos. Exhiben vírgenes embarazadas y santos de cuello largo. También se representan manifestaciones patrióticas como desfiles militares o se dedican a personajes, presidentes, generales, campesinos y héroes. Incluso. Se van usando para representar alegorías políticas. En general, los clientes pueden sugerir los motivos que quieren ver en sus retablos. Estas nuevas formas de manifestación se caracterizan por su valor estético y ya no por su carácter ritual. Incluso, muchos de los retablos van modificado sus dimensiones y se dividieron hasta en cinco pisos, dejaron de ser cajas rectangulares para adquirir formas ovaladas y cambiaron sus coronaciones, es decir, la parte superior. Existen nuevos modelos como cajitas de fósforos o de chicles, guitarras de yeso, canas, cáscaras de huevo y mates (fruto seco de la calabaza).

RETABLOS: LA EVOLUCION DE UN ARTE
El arte de construir altares portatiles es muy apreciado for el cuidado y dedicacion que requiere su elaboracion, for su pasado vinculado al mundo magico-religioso y for su capacidad narrativa.

LA EVOLUCION
El formato del cajón de madera con figuras talladas en su interior no solo vario en su forma, sino también en su contenido, ya que fue perdiendo su carácter mágico-religioso.

Caja de imaginero chucuitena (Tipo 1)
Hechas en madera, estuco y, en algunos casos, pan de oro. Presentan imagenes en el cuerpo central y relieves en las partes internas de ambas puertas; abiertas estas, el conjunto luce como un tríptico.

Caja de imaginero chucuitena (Tipo 2)
Los materiales, aunque son similares, con el paso de los anos se van empobreciendo debido a los robos que sufren los arrieros que las transportaban.

Capilla de santero (Siglo XVIII)
Son similares, aunque no tienen puertas. Normalmente contienen al santo protector de cada familia. Permanecian en un lugar fijo de la casa y no eran transportadas en los viajes.

Limosneros (Siglo XIX)
Cajas con una pequeña alcancía que permitían al dueno de la imagen vivir de las limosnas que se depositaban en ella.

El sanmarkos (Siglo XIX)
Este es el antecedente directo del retablo tal como lo conocemos en la actualidad. Se trata de un cajón con atribuciones mágico religiosas vinculadas a la fertilidad. Esta dividido en dos partes. En el mundo superior (hanan pacha) residen los santos, entre ellos San Marcos, patrón del ganado vacuno. En el mundo inferior (kay pacha) se representan escenas de la vida cotidiana.

EL RETABLO AYACUCHANO
En el siglo XX, las imagenes religiosas en los cajones dieron paso a las escenas de la vida cotidiana. Representadas mediante grupos escultóricos de mayor complejidad, las fiestas, costumbres y tradiciones adquirieron mayor protagonismo.

La palabra "retablo"
Es originalmente un conjunto de grandes dimensiones situado detrás de los altares de las iglesias.

Materiales
Las figuras se fabrican con una pasta hecha sobre una base de papa hervida y molida mezclada con yeso. La estructura suele ser de madera.

JOAQUIN LOPEZ ANTAY
Figura clave en la transformación del sanmarkos en el retablo actual. A partir de su trabajo, las imágenes costumbristas constituyeron el eje temático de los cajones, antes consagrados al mundo mágico-religioso andino. Recibió en 1975 el Premio Nacional de Cultura en medio de un debate en el cual los defensores del "arte culto" no veían con buenos ojos a los artistas del interior, dedicados a las imágenes populares, que iban dejando el anonimato.

DIFUSION
A partir de 1950, los primeros retablos ayacuchanos se exhibieron en eventos privados en Lima. Además, se dio a conocer algunas colecciones privadas como las de Celia Bustamante y Elvira Luza. La demanda, sobre todo proveniente de turistas extranjeros, empezó a crecer.
En 1960, el pedido de los productos artesanales aumento en el sector turístico: se los vendía en tiendas y ferias de la ciudad y provincias. El creciente interés y, después, el fenómeno terrorista hicieron que muchos imagineros ayacuchanos trasladaran sus talleres a Lima. Igual, otros permanecieron en su tierra, donde el retablo es un arte cada vez más popular. En el aeropuerto coronel FAP Alfredo Mendivil, Ayacucho, se exhibe un retablo de gran tamaño, y los quioscos de venta de diarios de la Plaza de Armas de esa ciudad tienen un diseño alusivo a este arte. Los artesanos venden sus trabajos a los turistas que acuden a sus talleres de Ayacucho y Lima. Asimismo, exportan sus trabajos a través de empresas y algunas ONG que participan en ferias internacionales y buscan mercados atractivos. Los retablos de Jesús Urbano (Gran Maestro de la Artesania Peruana, 1993) forman parte de las colecciones del Memorial de América Latina (Brasil), el Instituto de Arte Hispanoamericano (España), la colección Michelín de Londres (Inglaterra). Otros contenían recorriendo el mundo. En agosto del 2006, el retablista ayacuchano Nicario Jimenez expuso sus obras en la Municipalidad de Coral Gables (Florida, Estados Unidos). Detalle del interior de un retablo contemporáneo, alusivo a las aventuras de Don Quijote de la Mancha,

Paginas web
• Central Interregional de Artesanos del Perú

 http://www.asociacion.ciap.org/article.php?lang=es&id_article=55
• Museo de Arte Popular Joaquín López Antay

 http://www.universia.edu.pe/unsch/museo_de_arte_popular.htm
• Museo Galeria Arte Popular de Ayacucho http://www.rnugapa.com/
• Ayacucho virtual
http://www.ayacuchovirtual.com/Historia/Artesanos.html

LOS RETABLISTAS
La composición de los talleres es básicamente familiar. Los secretes del arte se transmiten de padres a hijos, de tíos a sobrinos, del hermano mayor al menor o entre amigos cercanos. Generalmente, el retablo se fabrica íntegramente en el taller, pero cuando la demanda supera la capacidad del mismo, la confección de la caja puede encomendarse a un carpintero. La lista de grandes retablistas es larga. Durante la primera mitad del siglo XX, destacaron maestros como Isaac y Celso Baldeón, Joaquín López Antay (Premio Nacional de Arte en 1975), Daniel Castro y Gregoria Jiménez.
Jesús Urbano, discípulo de Joaquín López Antay, creo una escuela de artesanía en el pueblo joven La Libertad, en Ayacucho. Junto a otros artesanos, como Florentino Jiménez y Mardonio López, transmitieron su disciplina y sus conocimientos. También introdujeron interesantes variaciones. Jiménez, por ejemplo, provenía de Alqamenqa, provincia ayacuchana de Víctor Fajardo, donde no había ganado; por eso, prefería, usar el retablo para describir la historia de su • pueblo. También empezó a reemplazar el tradicional caj6n de madera por canastas, canas o hasta cajitas de fósforos.

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